El contenido social que la banda
inglesa de punk-rock The Clash
siempre adjunta a sus canciones hace que sea necesario escuchar de manera
detallada y en más de una ocasión sus canciones.
Lo que llama mi atención en ésta
canción es el contraste entre las voces que se escuchan; una voz profunda,
pausada, tranquila, junto con otra voz llena de energía, activa, intensa. Allen
Ginsberg, reconocido poeta americano del
siglo XX, incorpora varias frases versadas a lo largo de la canción, frases cortas
que dicen mucho; critica al sistema, a sus adictos y defensores. Joe Strummer,
compositor y voz en la canción, entona una letra que se concentra en como las
autoridades (policía) en su intento de detener el narcotráfico afectan al
pueblo, al barrio, al Gettho.
Ginsberg y Strummer: dos estilos, un sentimiento, una expresión, una canción.
Par genios: Strummer y Ginsberg
Allen Ginsberg ha dejado una huella,
pues no sólo colaboró con artistas como Bob Dylan, sino que también se aventuro
a crear sus propias canciones. Allen había colaborado en 1974 interpretando una
versión en vivo de su poema-canción “Capitol
Air” con The Clash en el club de rock Bond.
Gettho Defendant es la cuarta canción del lado B del álbum de 1982 Combat Rock. Aunque el reconocimiento se
lo llevaron las muy bien reconocidas canciones “Rock The Casbah” “Should I Stay or Should I Go”, “Gettho Defendant” es
mi favorita en éste LP.
Combat Rock: Álbum Ícono de The Clash
Espero obtener más información sobre ésta
canción, pues no se encuentra mucho en la red.
"Me fui a buscar los muertos, por tener miedo a los vivos"
El vallenato, surgido en la costa
caribeña colombiana a principios del siglo XX, nunca ha sido uno de mis géneros
favoritos, porque su sonoridad no me produce afinidad alguna. Pero he de admitir, que el sentimiento, la
pasión y la sensibilidad que se encuentran en algunas letras de sus canciones,
me ha llamado fuertemente la atención. La lirica hecha música, una vez más.
Ejemplo de ello es la canción de
1975, interpretada por Lisandro Meza, La
Gran Miseria Humana, que es tomada del verso de igual nombre escrito por Gabriel
Escorcia Gravini. Lo impactante de éste escrito es lo macabro y gótico que
puede llegar a ser. Gabriel Escorcia, quien sufría de lepra, plasmó éstos y
otros de sus pensamientos en el cementerio central de Soledad, Atlántico. El
leproso solía visitar éste aposento en horas de la noche, reduciendo así la
posibilidad de que alguien pudiese cruzarse en su camino, pues, como erróneamente
se creía en esa época, la lepra era contagiosa. De allí que sus días los pasara
refugiado en un cuarto, apartado del mundo, dedicado únicamente a sus poemas y versos.
De los muchos que escribió, solo La Gran
Miseria Humana sobrevivió, debido a que los otros fueron incinerados por
temor a que se esparciera la enfermedad.
La letra describe un paisaje que es
iluminado por la característica luz de la luna, y un viento sobrecogedor pero a
su vez contenido en sosiego. Mientras recorre las diferentes tumbas, se
encuentra con una calavera, con la que entabla un particular dialogo en el cual
Gabriel le pregunta qué ha sido de la carne que tan bien le sentaba a esos
huesos, del cabello que tan hermosamente se ondulaba al viento pasar, del
cerebro del cual tan orgullosamente se sentía ostentar. La calavera responde a esto que
no importa si se es feo o bonito, pobre o rico, rey o esclavo, hombre o mujer,
todos, absolutamente todos, terminan igual. La muerte trae igualdad a la
humanidad.
Algun día, vamos a compartir el mismo destino, usted y yo, nos vamos a encontrar. ¿A que no adivina dónde?
Cuántos ríos de sangre se han derramado
y cuánto sufrimiento se habrá provocado para finalmente terminar todos de la
misma manera. Cuántos sentimientos rotos, sueños vueltos añicos, ilusiones
hechas talco, por creernos “algo mejor” que el que tenemos al lado. La Gran
Miseria Humana.
"Recuerda: se ven las caras, pero nunca el corazón"
En un mundo acuciado con tanta
propaganda y comerciales basura, personas que no existen en el vecindario
promedio recomiendan productos para ser mejor que los demás, sentirse mejor que
ellos, verse mejor que ellos. De cada 10 pautas publicitarias, 7 contienen un
gran contenido de información en idioma inglés. Los latinos perdemos poco a
poco nuestra identidad, dejamos de recordar de donde venimos, para imaginar en
donde queremos vivir. Todo esto conlleva a la creación de individuos bajo modelos
importados, donde la apariencia cuenta más que la misma esencia, donde el
empaque significa más que el contenido.
Ésta es la temática del “Poeta de la Salsa”, Rubén Blades, para
su canción Plástico, del álbum que marcaría
un antes y un después en la música salsa; Siembra.
Blades, panameño nacido en el año de 1948, y quién cuenta con un titulo de
abogado, dejaría ver sus dotes como escritor y arreglista, escribiendo sobre la
calle, la política y los temas sociales que afectaban a la gente del común. Siembra es considerado, sino el más
vendido, como uno de los álbumes más vendidos del género salsa, y contiene
otros clásicos como Pedro Navaja, Buscando Guayaba y Siembra. Blades produciría este álbum con la compañía de Willie
Colon en 1978, bajo el sello de Fania
Records.
El álbum que es calificado como el "Sgt. Pepper's" de la salsa.
Sin duda alguna, Rubén Blades ha dejado
huella no sólo marcando un estilo (Salsa
Intelectual), sino creando consciencia por medio de su música. Hacer que el
latino se sienta orgulloso de su tierra y de su cultura, es algo que él siempre
pregona.
No hay necesidad de explicar la letra
de la canción, pues por si misma habla. Es toda una poesía:
En
la ciudad de Düsseldorf, Alemania, Florian Schneider y Ralf Hütter, darían
inicio a finales de los años sesenta a Kraftwerk
(que significa Estación de Energía),
banda que sería reconocida como pionera de la música electrónica actual.
La
banda se caracterizaba por utilizar instrumentos como la flauta,
sintetizadores, violín, órgano, guitarra, bajo, batería y codificadores de voz
o vocoders, permitiendo a la banda
crear con cada canción una nueva melodía, sin llegar reincidir con las mismas
tonadas. A contrario de lo que se puede pensar del empleo de todos estos
instrumentos, Kraftwerk poseía un estilo bien detallado, minucioso y a la vez
simple, llegando a ser muy minimalistas, rasgo que permitió trascender las
fronteras de su propio país y llegar a mercados muy competitivos como los del
Reino Unido y Estados Unidos.
El
video de la canción es muy llamativo, pues presenta varios robots-maniquís
interpretando instrumentos musicales y cantando. Es todo un icono para su época.
En cuanto a la letra, contiene frases en ruso y en inglés, que hacen referencia
a la popularidad que por entonces mecanismos autómatas de apariencia humana
tenían en la cultura popular. Lo primero que se escucha es una voz electrónica
diciendo: “We're charging our batteries
and now we're full of energy” que traduce “Estamos cargando nuestras baterías y ahora estamos llenos de energía”,
“We are the Robots”, “Somos Los Robots”. Seguido a esto, continúa con “We’re fuctioning automatic, and we’re
dancing mechanich”, “Funcionamos
automaticamente y bailamos mecanicamente”. Después a éstas concurrentes
frases, se escucha: “я твой слуга я твой работник” que traduce “soy tu empleado, soy
tu trabajador”. Finalmente, dice:”We’re
programmed just to do anything you want us to”, que sería algo como “Estamos programados sólo para hacer lo que
ustedes quieran que hagamos”
El LP que contenia Die Roboter y SpaceLab.
Esta canción me trae a la cabeza ideas que he escuchado de
muchos personas, tomadas de los medios o simplemente de sus propias mentes, en
las que cuentan sobre mundos futuros bajo el dominio de artefactos con
inteligencia artificial, humanos obesos que tienen todo lo que desean al
alcance de requerírselo a una máquina. Así como también de mundos en los que
existe la raza humana mejorada, mediante injertos hombre-robots, elevando la
capacidad mental y motriz del hombre como lo conocemos hoy. ¿Cuál será nuestro futuro?
¡Jum!
Deleite musical que en éstos tiempos ha desaparecido.
Sin
duda alguna el cine, y la música en general, le debe mucho a Bernard Herrmann,
compositor estadounidense famoso por crear sus propias composiciones musicales y
adaptarlas a filmes y películas. Entre sus mas reconocidas obras, se destacan
la banda sonora para las películas Psycho,
North by Northwest, The Man Who Knew Too Much y Vertigo, todas ellas del celebre y excelso director inglés de cine Alfred
Hitchcock. Su último trabajo para la industria sería en el filme de 1976, Taxi Driver, de Martin Scorsese.
Herrmann murió solo algunas horas después de haber terminado de grabar la música
del filme, en 1975. La película, fue dedicada en su honor a su memoria.
Taxi Driver es sin duda una de las grandes películas
de Hollywood. Robert De Niro, interpreta a Travis Bickle, un taxista de Nueva
york en busca de algo o alguien que traiga luz a su solitaria vida. Y al
parecer la encuentra; una agradable chica que trabaja para un político en su campaña
hacia la presidencia. En frases de Bickle, aquella chica:
“I first saw her at
Palantine Campaign headquarters at 63rd and Broadway. She was wearing a white
dress. She appeared like an angel. Out of this filthy mess, she is alone.
They... cannot... touch... her.”
“La vi por vez primera en las oficinas de la Campaña de Palantine
en la 63 con Broadway. Tenía puesto un vestido blanco. Parecía un ángel. Fuera
de este mugriento caos, ella esta sola. Ellos… no pueden… tocarla.”
Cuando encuentras a una mujer que paraliza tu mundo, que es diferente a todo aquello que has visto, siéntete honrado.
Dile: Mon Amour.
La
canción es un jazz que se apoya principalmente en un saxofón, representando una
luz entre la oscuridad, una esperanza entre la inmundicia, un aliento de
respiro para un ahogado. Extraño romanticismo, que mezcla prostitutas,
ladrones, traficantes, con luces de neón, charcos de aguas lluvias, basura y
animales callejeros.
Fun es un grupo de música Indie formado en 2008, por Nate
Ruess, exintegrante de The Format,
Andrew Dost, exintegrante de Anathallo,
y Jack Antonoff exintegrante de Steel Train. Ruess, quién había conocido
a sus compañeros en giras pasadas con The
Format, los llamo para crear un nuevo proyecto, que involucraba la introducción
fuertes y profundas letras, con un fondo musical de efectos electrónicos y
tintes de hip-hop, todo esto sin abandonar el pop.
La puesta en marcha de este proyecto
tuvo como primer resultado el álbum Aim
and Ignite de 2009, en el cual se destaca la canción “At Least I'm Not as Sad (As I Used to Be)”. Su segundo álbum, Some Nights, sería el que los llevaría a
la fama mundial, con el gran éxito del sencillo “We Are Young”.
Lo interesante de esto es, que a
pesar haber sido lanzada al mercado el 20 de Septiembre de 2011, no fue sino
hasta que a finales de ese mismo 2011, en el que el show musical televisivo Glee interpretara We Are Young, que la canción tomaría reconocimiento, sonando en la
mayoría de estaciones radiales de música pop. La canción alcanzó el puesto
numero 1 en el ranking de las mejores 100 de la Billboard.
La canción también cuenta con la voz
de la francesa Janelle Monáe, quien agrega el coro intermedio “Carry me home tonight, Just carry me home
tongiht”.
El video, dirigido por Marc Klasfeld, se desarrolla en el teatro David Sukonick Concert Hall en los
Angeles, California. Fun interpetra la canción mientras se desenvuelve una
batalla en el recinto, en la que se lanzan botellas, jarrones, platos, bebidas,
plantas, celulares. Todo esto es grabado principalmente bajo la técnica de slow motion. Monáe hace su aparición en
la mitad del video, entre la muchedumbre, y sin ser alterada al igual que la
banda.
Básicamente esta es la letra de la canción. Poderosa melodia que motiva.
Un lobo, Denis, que ronda los alrededores de París, se deleita observando a
las personas en sus habituales rutinas diarias. En su pasatiempo como espía,
decide seguir a un hombre que, a mitad de la noche, ha salido de un bar con una
chica, para terminar las cosas bajo los efectos del placer. Aquel hombre, es el
Mago del Siam, que se da cuenta que el lobo le ha visto, y decide morderle en
su escapada. Esto trae para Denis un terrible efecto; de día, es un hombre, de
noche, vuelve a ser lobo.
Denis, en su condición de humano, decide
ir a un restaurante, donde conoce a una bella chica, la cual termina llevando a
un motel, y no solo para contemplar la luna llena en Paris. Tras la relación,
la chica le cobra por haber pasado aquel tiempo con él, lo cual hace que el
lobo se moleste, pues para nada era lo que estaba esperando. Allí sale el
instinto animal sobre el hombre-lobo, con consecuencias nefastas para la chica.
Esta es la idea central de la canción Hombre
Lobo en París, basada en el cuento corto del novelista francés Boris Vian: “Le Loup-garou” (El Lobo-Hobre) del año 1946. La Unión, grupo español vigente desde el año 1984, adaptó varias
referencias literarias a sus canciones, llenándolas de contenido y forma. Lobo
Hombre en París fue uno de sus primeros grandes éxitos, alcanzando las 200000
ventas, disco de oro y los primeros puestos en las listas de radio.
Es una cacion de una tonada no muy fuerte, algo “rockera”, con algunos
tintes de pop, pero muy agradable al oído.
El video, realizado en blanco y negro, es la interpretación grafica de la
historia. Comienza con nuestro lobo hecho hombre, con la luna creciente como
fondo. Con elegancia, nuestro personaje camina por un callejón sucio, húmedo,
lleno de transeúntes sin rumbo, típico de cualquier mega ciudad, hasta entrar
en un bar, de donde sale acompañado por una chica. Apareciendo en una habitación
de un motel, Denis y su chica unen sus cuerpos, pero aparentemente no sus
almas, terminando en la trágica escena de la muerte. Al final, Denis camina de
vuelta por las calles, pero ahora sin la misma elegancia.
Denis camina por el aquel callejón parisino como si hubiera transitado por allí un millón de veces.
