Thursday 31 May 2012

Strawberry Fields Forever


Strawberry Fields Forever
By The Beatles

Icono de la música rock en los setenta, Strawberry Fields Forever es la psicodelia, fantasía e imaginación hechas música.


"Nothing Is Real"

La canción fue publicada el 13 de febrero de 1967 en los Estados Unidos, y 17 de febrero del mismo año en el Reino Unido. Lanzada al mercado junto con Penny Lane como sencillo doble, pues se había quedado por fuera del álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, Campos de Fresas por Siempre fue un éxito total, pues tenía, además del sello Beatle, una mezcla perfectamente elaborada de psicodelia y nostalgia. Increíblemente, los Beatles no lograron posicionar este tema en el primer lugar, ni en USA ni en UK. Posteriormente, en 2004, posicionaría este tema en la lista de las mejores 500 canciones de la historia, ubicándola en el puesto 76. Algo apenas merecido.

La letra, es mundialmente reconocida, aunque no igualmente entendida, pero está basada en los recuerdos de infancia de John Lennon, quién creció en Liverpoool. Lennon y sus amigos solían ir a jugar al pequeño parque del orfelinato Strawberry Field.

Inscripción a la entrada del jardín.

Desde el inicio de la canción se concibe el espectacular trabajo logrado por los Fab-Four, comenzando con una interpretación de McCartney en un Mellotrón, instrumento musical de teclado electrónico, precursor de los instrumentos moderno que conocemos como el Sample y Sintetizadores. Esta entrada le da el aire nostálgico particular que buscaba Lennon. Despues Lennon introduce la letra de la canción. Ringo Starr, en la batería acompaña, de manera discontinua, sobre toda la canción. George Harrison, toca la guitarra eléctrica. Lo grandioso de este tema es como se acoplaron los distintos instrumentos, en una canción con un ritmo y tiempo algo extraño, pues por momentos parece que adormece a quien la escucha. Es lo más parecido a un sueño.

Azul, rojo, verde y amarillo, son los colores que hacen parte de la esencia del video musical, pues se hacen presentes no solo en las imágenes, sino en el vestuario. En el video también se muestran algunos acercamientos a los rostros de los Beatles, y efectos de reproducción al revés, principalmente. Es considerado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York como uno de los videos musicales más influyentes de la década del sesenta.

Ambiente sobre el cual se desarrolla el video.



Cette chanson me rappelle une bonne amie. Elle es en train de remplir ses rêves, au autre pays, ce intention me rend vraiment très heureux. Je t'apprécie Karen!.



La plus belle fraise ^_^
Imagen de la adaptación al cine de la canción.


Wednesday 30 May 2012

Time


Time
By Pink Floyd



Nadie nunca te dirá tu destino.

Sentado, mirando al horizonte, he mirado hacia el pasado. Algo más de veinte años han trasegado por mi cuerpo, mente y corazón. ¿Que he hecho? ¿Qué me diferencia de usted estimado lector?. Nada. Han pasado dos décadas, quizás pasen otras cuantas, y la respuesta a la pregunta seguirá siendo la misma. El sol es el mismo, relativamente, pero yo seré más viejo. El tiempo se me escurre por las manos, sin nada más que hacer sino observar con desaliento. Casi de manera burlona, cada día de vida, es un día más cerca a la muerte. Colegio, universidad, trabajos, fines de semana, salidas, viajes, amores…, todo parece tan sólo un chispazo, tan intangible.

Ésa la idea central de la letra de la canción Time, Tiempo en español, que resume como de un momento a otro se nos ha pasado la vida y, lo hecho o vivido, no parece tan significativo.

Time es la cuarta canción del exitoso álbum The Dark Side of The Moon, lanzado en 1973, y el cual vendió mas de 50 millones de copias, situándose sólo por detrás de Thriller de Michael Jackson en la lista de los álbumes mas vendidos de todos los tiempos.

El distintivo Prisma atravesado por un haz de luz. Idea de Storm Thorgerson.

El característico Tic-Tac de los relojes da apertura a la canción, seguido de algunas alarmas de éstos mismos. A continuación algunas notas del bajo de Waters, acompañando la percusión de Mason. Tras algunos minutos, David Gilmour irrumpe con su voz, y por supuesto su guitarra. El inconfundible sólo de la Fender Stratocaster de Gilmour marca la mitad de la canción. La canción finaliza con algunas voces femeninas como coro.

Y usted, ¿Que ha hecho de su vida, con su vida?

Tuesday 29 May 2012

A Chloris


A Chloris
By Reynaldo Hahn


Sutileza, pasión y exquisitez.

París, Francia, sería testigo del desarrollo del niño prodigio Reynaldo Hahn, quien desde los ocho empezaba ya a componer sus propias canciones. Nacido en Caracas, Venezuela, su familia habría de trasladarse a ante la crisis de finales de siglo XIX en toda Suramérica. Su padre, inventor Alemán, y su madre, Venezolana de ascendencia española, mudarían su familia a Francia, otorgándole así la oportunidad a su pequeño Reynaldo de tres años, de criarse en el ambiente culturalmente rico de Francia. Allí tendría contacto con la Ópera de Paris, el Ballet de la Ópera de París y la Ópera Cómica, además de relaciones con escritores y compositores.

Reynaldo Hahn

Hahn, marcado en la tradición musical clásica de la “Mélodie” francesa, compone en 1916 “A Chloris”, basada en un texto del dramaturgo francés Théophile de Viau. La letra expresa el sentimiento de felicidad causado por el amor a una chica, Chloris, y de lo miserable que parecen las demás cosas al lado de ésta felicidad.

Muchos expertos en el tema, catalogan ésta canción como un homenaje de Reynaldo Hahn hacia Johann Sebastián Bach, dado a la afinidad que se puede escuchar con respecto a la composición de Bach, Aire suite Orquestal N°3. Juzguen ustedes.

S'il est vrai, Cloris, que tu m'aimes, 
Mais j'entends que tu m'aimes bien, 
Je ne crois point que les Rois mêmes 
Aient un heur comme le mien :
Que la mort serait importune 
De venir changer ma fortune 
À la félicité des Dieux ! 
Tout ce qu'on dit de l'ambroisie 
Ne touche point ma fantaisie 
Au prix des grâces de tes yeux.







Sunday 27 May 2012

My Favorite Things


My Favorite Things
By John Coltraine


"El sentimiento de un pueblo hecho música"


El sentimiento, fuerza y lucha del pueblo negro en Estados Unidos ante la desigualdad y opresión, fue el combustible necesario para impulsar una revolución a través de la música. Pocos géneros musicales se jactan de poseer dicha historia, y aún más pocos pueden lograr expresar todo el sentimiento de un pueblo. El Jazz.

En 1960 John Coltrane graba uno de sus mas exitosos álbumes: “My Favorite Things”, en el que se incluyen los singles “My Favorite Things”, “Everytime We Say Goodbye”, “Sumertime” y “But Not For Me”. Coltraine sedujo rápidamente al público, tocando por primera vez para un disco un saxofón soprano, instrumento que se acoplaría a su estilo musical, dejando su huella en el Jazz.

Imagen del Album, con Johncoltraine y su Saxofon.

Coltraine no fue ajeno al sufrimiento de su raza, pues tuvo que mudarse continuamente por varias ciudades de Estados Unidos, siempre en busca de mejores oportunidades. Su padre y su tío mueren tempranamente, obligando al pequeño John y a su madre a velar por su propio destino. Estuvo obligado, en 1945, a prestar su servicio militar en la armada de los estados unidos. Pero aún allí, brillaba tocando para la banda de la “US ARMY”.

La canción es una bella obra de arte, si, no hay nada como darle a las cosas un nombre apropiado. Tomada de un musical pop, Coltraine y su saxofón le dan la identidad a la canción, el sentimiento, no hay necesidad de letras cuando hay este tipo de interpretaciones. Elvin Jones en la batería sirve un ambiente activo, constante, casi imperceptible, que no te deja caer, que te recuerda que el jazz es vida. La canción toma un sentido aún mas profundo con Steve Davis en el bajo, que de manera sutil acompaña a sus amigos. A continuación de la primera intervención de Coltraine, McCoy Tyner hace su aparición con las teclas de su piano, adusto pero gallardo,  durante unos minutos él es el rey del mundo, son el piano y él, nadie más. Es el turno para Eric Dolphy. Haciendo un solo, introduce otro instrumento de viento, la flauta, dándole más dinamismo y melodía.

Es increíble escuchar como todos estos elementos encuentran en el jazz un ensamble casi perfecto, permitiendo experimentar diversas emociones en una sola pieza musical.

Saturday 26 May 2012

Periódico de Ayer


Periódico de Ayer
By Hector Lavoe

Hector Lavoe en una gira por Mexico, con sus  recordadas gafas semi translucidas y su maracas.

Ampliamente reconocido por su trabajo como cantante de Willie Colón, Hector Lavoe decide emprender su carrera como solista en el año de 1975, con el Album “La Voz”, alcanzando de manera inmediata el éxito, como era de esperarse. Para el año siguiente, decide lanzar su segundo LP llamado “De ti depende”, y en el cual una canción destacaría enormemente por sobre las demás: “Periódico de Ayer”.

Compuesta por el boricua Catalino Curet, la letra expresa de manera brillante el nacimiento, vida y muerte de un amor. Esta salsa de ritmo lento permite a Hector Lavoe interpretar de manera majestuosa la canción, personificando la letra como una vivencia propia (lo más seguro es que así haya sido).

Un par de congas, algunas trompetas, un teclado, un contrabajo y el clásico juego de maracas en manos del gran Hector Lavoe, hacen de esta melodía algo especial, pues por momentos podría decir que las tonadas tienden a la balada, pero en seguida despiertas con los vientos y sabes que estás en una salsa.
La mundialmente conocida imagen de Hector Lavoe es la caratula del albúm "De ti Depende"

Friday 25 May 2012

Music Sounds Better With You



Music Sounds Better With You
By Stardust



La música suena mejor contigo, el amor podría traernos de vuelta”

El cantante parisino Benjamín Cohen (conocido como Benjamín Diamond) a finales de los noventa recibe la oportunidad de incluir su voz en el proyecto “Stardust”, en el que también están presentes Thomas Bangalter y Alan Braxe como productores.

Bangalter, quien desde 1997 y a sus 22 ya contaba con su propio sello de grabación llamado “Roulé”, decide prestar las instalaciones de su estudio de grabación para la realización del single “Music Sounds Better With You”, después de una presentación en vivo del trío en el club parisino “Rex Club”. La pista está basada en su totalidad en la tonada inicial de la canción “Fate”, de la artista Estadounidense Chaka Khan.

Benjamin Diamond, Thomas Bangalter y Alan Braxe (¿En orden?)

El 27 de Julio de 1998 se daría a conocer la canción al público, alcanzando inmediatamente el segundo lugar en las listas del Reino Unido y el primero en las norteamericanas. Fue un éxito a nivel mundial, pues en ésta parte del mundo, y según mis recuerdos, fue  reproducida por al menos un mes completo en las emisoras locales. Nada mal para una banda con una sola canción.

El video, que contó con la dirección de Michel Gondry, famoso no solo por dirigir videoclips de consagrados artistas como Lenny Kravitz, Bjork, The Rolling Stones, The Chemical Brothers, Paul McCartney, Radiohead y Daft Punk, sino también por dirigir largometrajes como “Eterno Resplandor de una mente sin recuerdos”, comienza con un niño que convence a sus padres de que le compren un planeador. “I can do it” se escucha por parte del niño al salir de la tienda y cargando la caja del planeador. La mayor parte del video se centra en cómo el niño arma el planeador y en cómo Stardust asciende en el top 5 de un programa de televisión. Cuando éstos alcanzan el primer puesto, el planeador está finalizado, y el chico decide darle vuelo. ¡El final es magia! 

Top 5

Esta canción se consolidó como clásico de los 90’s, y es un referente para su genero. De los artistas de Stardust se puede decir que Bangalter prosiguió su exitosa carrera en Daft Punk, y presta colaboración a reconocidos artistas del genero electrónico como Bob Sinclair y Eric Prydz. Por su parte Benjamin siguió por su propia cuenta su carrera musical, alcanzando a posicionar algunos éxitos como “Little Scare” y “Here In your Arms”. Alan se desempeña la mayor parte de su tiempo en su propio sello “Vulture Music”, promocionando sus propias creaciones.


Thursday 24 May 2012

Just Can't Get Enough

Just Can't Get Enough
By Depeche Mode




 
Canción publicada en el Reino Unido el 7 de septiembre de 1981 y en América el 18 de febrero de 1982, es referida como el origen de la música electrónica en fusión con el pop.


Desarrollada básicamente con sintetizadores y samplers, la canción obtiene una melodía muy contagiosa, y a pesar de la simpleza con que fue elaborada, es asombroso ver como ascendió a los primeros lugares en las listas de las emisoras en ambos continentes. Aún hoy en día se siguen moviendo las masas al ritmo de aquellas teclas.

La letra no va mucho mas allá de lo que uno podría esperar de un grupo de jóvenes en busca de un lugar en el mercado musical; el amor inocente e insatisfecho.

Compuesta por Vince Clarke (quien se desempeñaba en el teclado y abandonaría el proyecto a finales del 81), la canción cuenta con la voz de David Gahan, Andrew Fletcher en el sintetizador y Martin gore como tecladista y segunda voz. El video, muy acorde a la canción, muestra a los integrantes de la banda vestidos con ajustada ropa de cuero, botas y lentes oscuros, rodeados de bellas y provocadoras mujeres igualmente vestidas, en un set interpretando la canción, y en un bar tomando algunas bebidas a la luz del día. Muy de la época de los ochenta, es todo un flashback a aquellos tiempos.

Depeche Mode encontraría en este tipo de canciones el camino para asegurar su permanencia en el mercado, marcando un fuerte rasgo en la industria musical electrónica, que vería su auge en las décadas posteriores.