La Gran Miseria Humana

La Gran Miseria Humana

By Lisandro Meza

"Me fui a buscar los muertos, por tener miedo a los vivos"

El vallenato, surgido en la costa caribeña colombiana a principios del siglo XX, nunca ha sido uno de mis géneros favoritos, porque su sonoridad no me produce afinidad alguna.  Pero he de admitir, que el sentimiento, la pasión y la sensibilidad que se encuentran en algunas letras de sus canciones, me ha llamado fuertemente la atención. La lirica hecha música, una vez más.

Ejemplo de ello es la canción de 1975, interpretada por Lisandro Meza, La Gran Miseria Humana, que es tomada del verso de igual nombre escrito por Gabriel Escorcia Gravini. Lo impactante de éste escrito es lo macabro y gótico que puede llegar a ser. Gabriel Escorcia, quien sufría de lepra, plasmó éstos y otros de sus pensamientos en el cementerio central de Soledad, Atlántico. El leproso solía visitar éste aposento en horas de la noche, reduciendo así la posibilidad de que alguien pudiese cruzarse en su camino, pues, como erróneamente se creía en esa época, la lepra era contagiosa. De allí que sus días los pasara refugiado en un cuarto, apartado del mundo, dedicado únicamente a sus poemas y versos. De los muchos que escribió, solo La Gran Miseria Humana sobrevivió, debido a que los otros fueron incinerados por temor a que se esparciera la enfermedad.  

La letra describe un paisaje que es iluminado por la característica luz de la luna, y un viento sobrecogedor pero a su vez contenido en sosiego. Mientras recorre las diferentes tumbas, se encuentra con una calavera, con la que entabla un particular dialogo en el cual Gabriel le pregunta qué ha sido de la carne que tan bien le sentaba a esos huesos, del cabello que tan hermosamente se ondulaba al viento pasar, del cerebro del cual tan orgullosamente se sentía ostentar. La calavera responde a esto que no importa si se es feo o bonito, pobre o rico, rey o esclavo, hombre o mujer, todos, absolutamente todos, terminan igual. La muerte trae igualdad a la humanidad.

Algun día, vamos a compartir el mismo destino, usted y yo, nos vamos a encontrar. ¿A que no adivina dónde?

Cuántos ríos de sangre se han derramado y cuánto sufrimiento se habrá provocado para finalmente terminar todos de la misma manera. Cuántos sentimientos rotos, sueños vueltos añicos, ilusiones hechas talco, por creernos “algo mejor” que el que tenemos al lado. La Gran Miseria Humana.

Sólo somos polvo de estrellas.

Plástico

Plástico

By Rubén Blades

"Recuerda: se ven las caras, pero nunca el corazón"

En un mundo acuciado con tanta propaganda y comerciales basura, personas que no existen en el vecindario promedio recomiendan productos para ser mejor que los demás, sentirse mejor que ellos, verse mejor que ellos. De cada 10 pautas publicitarias, 7 contienen un gran contenido de información en idioma inglés. Los latinos perdemos poco a poco nuestra identidad, dejamos de recordar de donde venimos, para imaginar en donde queremos vivir. Todo esto conlleva a la creación de individuos bajo modelos importados, donde la apariencia cuenta más que la misma esencia, donde el empaque significa más que el contenido.

Ésta es la temática del “Poeta de la Salsa”, Rubén Blades, para su canción Plástico, del álbum que marcaría un antes y un después en la música salsa; Siembra. Blades, panameño nacido en el año de 1948, y quién cuenta con un titulo de abogado, dejaría ver sus dotes como escritor y arreglista, escribiendo sobre la calle, la política y los temas sociales que afectaban a la gente del común. Siembra es considerado, sino el más vendido, como uno de los álbumes más vendidos del género salsa, y contiene otros clásicos como Pedro Navaja, Buscando Guayaba y Siembra. Blades produciría este álbum con la compañía de Willie Colon en 1978, bajo el sello de Fania Records.

El álbum que es calificado como el "Sgt. Pepper's" de la salsa.

Sin duda alguna, Rubén Blades ha dejado huella no sólo marcando un estilo (Salsa Intelectual), sino creando consciencia por medio de su música. Hacer que el latino se sienta orgulloso de su tierra y de su cultura, es algo que él siempre pregona.

No hay necesidad de explicar la letra de la canción, pues por si misma habla. Es toda una poesía:

Ella era una chica plástica

De esas que veo por ahí

De esas que cuando se agitan

Sudan "Chanel n°3"

Que sueñan casarse con un doctor

Pues él puede mantenerlas mejor

No le hablan a nadie si no es su igual

A menos que sea fulano de tal

Son lindas, delgadas, de buen vestir

De mirada esquiva y falso reír

Él era un muchacho plástico

De esos que veo por ahí

Con la penilla en la mano

Y cara de yo no fui

De los que por tema de conversación

Discuten que marca de carro es mejor

De los que prefieren el no comer

Por las apariencias que hay que tener

Pa’ andar elegantes y así poder

Una chica plástica recoger

Era una pareja plástica

De esas que veo por ahí

El pensando solo en dinero

Ella en la moda de París

Aparentado lo que no son

Viviendo en un mundo de pura ilusión

Diciendo a su hijo de cinco años

No juegues con niños de color extraño

Ahogados en deudas para mantener

Su status social en modo cóctel

Era una ciudad de plástico

De esas que no quiero ver

De edificios canceroso

Y un corazón de oropel

Donde en vez de un sol amanece un dólar

Donde nadie ríe

Donde nadie llora

Gente de rostros de poliéster

Que escuchan sin oír

Y miran sin ver

Gente que vendió por comodidad

Su razón de ser y su libertad

Oye latino oye hermano oye amigo

Nunca vendas tu destino

Por el oro ni la comodidad

Nunca descanses

Pues nos falta nadar bastante

Vamos todos adelante

Para juntos terminar

Con la ignorancia

Que nos trae sugestionados

Con modelos importados

Que no son la solución

No te dejes confundir

Busca el fondo y su razón

Recuerda se ven las caras

Pero nunca el corazón

No te dejes confundir

Busca el fondo y su razón

Recuerda se ven las caras

Pero nunca el corazón

Se ven las caras, se ven las caras, ¡vaya!

Pero nunca el corazón

Pero señores y señoras

En medio del plástico

También se ven las caras orgullosas

Que trabajan por una Latinoamérica unida

Por una mañana de esperanza y de libertad

Se ven las caras de trabajo y de sudor

De gente de carne y hueso que no se vendió

De gente trabajando buscando el nuevo camino

Orgullosa de su herencia y de ser latinos

De una raza unida, la que Bolívar soñó

Del polvo venimos todos

Y allí regresaremos como dice la canción

Se ven las caras, se ven las caras,

Pero nunca el corazón

Recuerda que el plástico se derrite

Si le da de lleno el sol

Se ven las caras, se ven las caras,

Pero nunca el corazón

The Robots (Die Roboter)

The Robots (Die Roboter)

By Kraftwerk.

Hasta dan miedo estos morracos

En la ciudad de Düsseldorf, Alemania, Florian Schneider y Ralf Hütter, darían inicio a finales de los años sesenta a Kraftwerk (que significa Estación de Energía), banda que sería reconocida como pionera de la música electrónica actual.

La banda se caracterizaba por utilizar instrumentos como la flauta, sintetizadores, violín, órgano, guitarra, bajo, batería y codificadores de voz o vocoders, permitiendo a la banda crear con cada canción una nueva melodía, sin llegar reincidir con las mismas tonadas. A contrario de lo que se puede pensar del empleo de todos estos instrumentos, Kraftwerk poseía un estilo bien detallado, minucioso y a la vez simple, llegando a ser muy minimalistas, rasgo que permitió trascender las fronteras de su propio país y llegar a mercados muy competitivos como los del Reino Unido y Estados Unidos.

El video de la canción es muy llamativo, pues presenta varios robots-maniquís interpretando instrumentos musicales y cantando. Es todo un icono para su época. En cuanto a la letra, contiene frases en ruso y en inglés, que hacen referencia a la popularidad que por entonces mecanismos autómatas de apariencia humana tenían en la cultura popular. Lo primero que se escucha es una voz electrónica diciendo: “We're charging our batteries and now we're full of energy” que traduce “Estamos cargando nuestras baterías y ahora estamos llenos de energía”, “We are the Robots”, “Somos Los Robots”. Seguido a esto, continúa con “We’re fuctioning automatic, and we’re dancing mechanich”, “Funcionamos automaticamente y bailamos mecanicamente”. Después a éstas concurrentes frases, se escucha: “я твой слуга я твой работник” que traduce “soy tu empleado, soy tu trabajador”. Finalmente, dice:”We’re programmed just to do anything you want us to”, que sería algo como “Estamos programados sólo para hacer lo que ustedes quieran que hagamos”

El LP que contenia Die Roboter y SpaceLab.

Esta canción me trae a la cabeza ideas que he escuchado de muchos personas, tomadas de los medios o simplemente de sus propias mentes, en las que cuentan sobre mundos futuros bajo el dominio de artefactos con inteligencia artificial, humanos obesos que tienen todo lo que desean al alcance de requerírselo a una máquina. Así como también de mundos en los que existe la raza humana mejorada, mediante injertos hombre-robots, elevando la capacidad mental y motriz del hombre como lo conocemos hoy. ¿Cuál será nuestro futuro? ¡Jum!

They Can Not Touch Her

They Can Not Touch Her

By Bernard Herrmann

Deleite musical que en éstos tiempos ha desaparecido.

Sin duda alguna el cine, y la música en general, le debe mucho a Bernard Herrmann, compositor estadounidense famoso por crear sus propias composiciones musicales y adaptarlas a filmes y películas. Entre sus mas reconocidas obras, se destacan la banda sonora para las películas Psycho, North by Northwest, The Man Who Knew Too Much y Vertigo, todas ellas del celebre y excelso director inglés de cine Alfred Hitchcock. Su último trabajo para la industria sería en el filme de 1976, Taxi Driver, de Martin Scorsese. Herrmann murió solo algunas horas después de haber terminado de grabar la música del filme, en 1975. La película, fue dedicada en su honor a su memoria.

Taxi Driver es sin duda una de las grandes películas de Hollywood. Robert De Niro, interpreta a Travis Bickle, un taxista de Nueva york en busca de algo o alguien que traiga luz a su solitaria vida. Y al parecer la encuentra; una agradable chica que trabaja para un político en su campaña hacia la presidencia. En frases de Bickle, aquella chica:

“I first saw her at Palantine Campaign headquarters at 63rd and Broadway. She was wearing a white dress. She appeared like an angel. Out of this filthy mess, she is alone. They... cannot... touch... her.”

“La vi por vez primera en las oficinas de la Campaña de Palantine en la 63 con Broadway. Tenía puesto un vestido blanco. Parecía un ángel. Fuera de este mugriento caos, ella esta sola. Ellos… no pueden… tocarla.”

Cuando encuentras a una mujer que paraliza tu mundo, que es diferente a todo aquello que has visto, siéntete honrado. 

Dile: Mon Amour.

La canción es un jazz que se apoya principalmente en un saxofón, representando una luz entre la oscuridad, una esperanza entre la inmundicia, un aliento de respiro para un ahogado. Extraño romanticismo, que mezcla prostitutas, ladrones, traficantes, con luces de neón, charcos de aguas lluvias, basura y animales callejeros.

Siempre habrá un "nadie" anhelando ser "alguien"

We Are Young

We Are Young

By Fun

El video es toda una joya.

Fun es un grupo de música Indie formado en 2008, por Nate Ruess, exintegrante de The Format, Andrew Dost, exintegrante de Anathallo, y Jack Antonoff exintegrante de  Steel Train. Ruess, quién había conocido a sus compañeros en giras pasadas con The Format, los llamo para crear un nuevo proyecto, que involucraba la introducción fuertes y profundas letras, con un fondo musical de efectos electrónicos y tintes de hip-hop, todo esto sin abandonar el pop.

La puesta en marcha de este proyecto tuvo como primer resultado el álbum Aim and Ignite de 2009, en el cual se destaca la canción “At Least I'm Not as Sad (As I Used to Be)”. Su segundo álbum, Some Nights, sería el que los llevaría a la fama mundial, con el gran éxito del sencillo “We Are Young”.

Lo interesante de esto es, que a pesar haber sido lanzada al mercado el 20 de Septiembre de 2011, no fue sino hasta que a finales de ese mismo 2011, en el que el show musical televisivo Glee interpretara We Are Young, que la canción tomaría reconocimiento, sonando en la mayoría de estaciones radiales de música pop. La canción alcanzó el puesto numero 1 en el ranking de las mejores 100 de la Billboard.

La canción también cuenta con la voz de la francesa Janelle Monáe, quien agrega el coro intermedio “Carry me home tonight, Just carry me home tongiht”.

El video, dirigido por  Marc Klasfeld, se desarrolla en el teatro David Sukonick Concert Hall en los Angeles, California. Fun interpetra la canción mientras se desenvuelve una batalla en el recinto, en la que se lanzan botellas, jarrones, platos, bebidas, plantas, celulares. Todo esto es grabado principalmente bajo la técnica de slow motion. Monáe hace su aparición en la mitad del video, entre la muchedumbre, y sin ser alterada al igual que la banda.

Básicamente esta es la letra de la canción. Poderosa melodia que motiva.

Hombre Lobo en París

Hombre Lobo en París

By La Unión

"El Hombre lobo está en Paris, su nombre: Denis"

Un lobo, Denis, que ronda los alrededores de París, se deleita observando a las personas en sus habituales rutinas diarias. En su pasatiempo como espía, decide seguir a un hombre que, a mitad de la noche, ha salido de un bar con una chica, para terminar las cosas bajo los efectos del placer. Aquel hombre, es el Mago del Siam, que se da cuenta que el lobo le ha visto, y decide morderle en su escapada. Esto trae para Denis un terrible efecto; de día, es un hombre, de noche, vuelve a ser lobo.

Denis, en su condición de humano,  decide ir a un restaurante, donde conoce a una bella chica, la cual termina llevando a un motel, y no solo para contemplar la luna llena en Paris. Tras la relación, la chica le cobra por haber pasado aquel tiempo con él, lo cual hace que el lobo se moleste, pues para nada era lo que estaba esperando. Allí sale el instinto animal sobre el hombre-lobo, con consecuencias nefastas para la chica.

Esta es la idea central de la canción Hombre Lobo en París, basada en el cuento corto del novelista francés Boris Vian: “Le Loup-garou” (El Lobo-Hobre) del año 1946. La Unión, grupo español vigente desde el año 1984, adaptó varias referencias literarias a sus canciones, llenándolas de contenido y forma. Lobo Hombre en París fue uno de sus primeros grandes éxitos, alcanzando las 200000 ventas, disco de oro y los primeros puestos en las listas de radio.

Es una cacion de una tonada no muy fuerte, algo “rockera”, con algunos tintes de pop, pero muy agradable al oído.

El video, realizado en blanco y negro, es la interpretación grafica de la historia. Comienza con nuestro lobo hecho hombre, con la luna creciente como fondo. Con elegancia, nuestro personaje camina por un callejón sucio, húmedo, lleno de transeúntes sin rumbo, típico de cualquier mega ciudad, hasta entrar en un bar, de donde sale acompañado por una chica. Apareciendo en una habitación de un motel, Denis y su chica unen sus cuerpos, pero aparentemente no sus almas, terminando en la trágica escena de la muerte. Al final, Denis camina de vuelta por las calles, pero ahora sin la misma elegancia.

Denis camina por el aquel callejón parisino como si hubiera transitado por allí un millón de veces.

New York, New York

New York, New York

By Frank Sinatra

"If I can make it there, I'll make it anywhere"

Compuesta en 1977 para el filme de Martin Scorsese, New York, New York, la canción fue compuesta por John Kander y, Fred Ebb le agregó la letra. Inicialmente, Liza Minnelli interpretaría la canción para el filme, sin llegar a alcanzar mucha trascendencia. No fue sino hasta 1979 que, el cantante y actor Frank Sinatra, decide grabar su versión de ésta y convertirla en un clásico para la ciudad capital del mundo, agregándole algunos cambios e imprimiendo su estilo. La canción sería parte del álbum de 1980 “Trilogy Past Present Future”. Sería el último gran éxito de Sinatra en la música.

Lo más destacable es la letra, pues encarna el deseo de éxito en una metrópoli  (en éste caso Nueva York), pero que bien podría adaptarse a cualquier gran ciudad en el mundo. El sueño de un futuro mejor, para uno, para su familia, en una ciudad que nunca duerme, que ofrece más oportunidades pero, que al mismo tiempo, demanda más de la vida de sus habitantes para satisfacer sus sistemas económicos, políticos, judiciales, etc.

Nueva York, como Bogotá, nunca duerme.

Es la realidad de aquellos que deciden emprender su rumbo a tierras desconocidas, partiendo de su hogar y dejando a los que más aman allí. Aquellos quienes tienen que sacrificar su felicidad, en búsqueda de mejores condiciones de vida. Aquellos que mueren para que otros vivan.

Perdón a aquellos que herimos con nuestra ausencia, pero el deseo de progreso es algo inevitable en cualquier especie. A veces siento que las mejores cosas de la vida llegan en el momento menos adecuado. Es como el amor, te enamoras cuando menos lo estás buscando, pero termina cuando más lo necesitas. Perdón.

Waterfall

Waterfall

By The Stone Roses

"She's a waterfall"

The Stone Roses son tal vez la más representativa banda del movimiento “Madchester”, surgido a finales de los ochentas principalmente en Manchester, Inglaterra. Aquel genero musical mezcla algo de dance con una base de rock alternativo y rock psicodélico o espacial.

La banda, que venía trabajando desde 1983 con Ian Brown como vocalista, John Squire en la guitarra, Gary “Mani” Mounfield en el bajo y Alan “Reni” Wren en la batería, lanzó su primer álbum “The Stone Roses”  en el año de 1989, recopilando lo mejor de su trabajo durante esos 6 años. El álbum significó un rotundo éxito para la banda, catapultándolos inmediatamente a los primeros lugares de las listas.  John Leckie, quien anteriormente había trabajado con Pink Floyd en el álbum Meddle, fue el productor del álbum, imprimiéndole el sello que Los Stones andaban buscando.

Caratula del Álbum

La letra, a mi parecer, se refiere a una chica que, cansada de vivir la vida de otra persona en casa de sus padres, decide hacer su propia vida, dejando su hogar, y enfrentando por si misma las situaciones que le han de esperar. Estará en continuo movimiento, de un lado a otro, buscando su equilibrio, y sobrellevando penas, pero ella lo logrará, ella es como una “cascada”. Nada la detendrá. Es mujer llena de energía y sueños, de esperanzas por salir de la inmundicia y de cambiar las cosas. Ella lo logrará, ella es una “cascada”.

Lastimosamente, debido a conflictos internos entre integrantes del grupo, The Stone Roses se disolvió en 1996, produciendo únicamente dos álbumes de estudio: “The Stone Roses” y “Second Coming”. Parte de los integrantes regresarían después a reintegrar la banda, pero nunca volverían a formar el grupo inicial.

The Stone Roses

Sunny

Sunny

By Boney M.

"Los días oscuros se han ido, y los días de sol han arrivado"

Las jamaiquinas Liz Mitchell y Marcia Barret, La británica Maizie Williams y el arubeño Bobby Farrell, son los integrantes de una de las bandas de música disco mas exitosas a nivel mundial. Si bien, tuvieron su auge en la década de los setentas, su música aún suena en muchas discotecas, estaciones radiales y florece en muchos hogares.

Lanzada por el grupo en junio de 1976, la canción es una adaptación del éxito de Bobby Hebb de 1966. La versión de Boney M alcanzo rápidamente el primer puesto en las listas musicales alemanas. Take The Heat Off Me fue el primer albúm de la banda, que además de Sunny, contenía los también exitosos sencillos Daddy Cool y Baby do You Wanna Bump.

Caratula del álbum "Take The Heart Off Me"

Con el armonioso y angelical coro de aquellas morenas, y el siempre recordado baile de Farrell, es una de las canciones isignia de la época disco, que habla sobre como las situaciones difíciles, que a veces pueden traer problemas y amarguras, pueden transformarse en esperanza y alegría, alcanzando un “cielo azul” donde siempre brilla el sol.

Particularmente, admiro el espectáculo del Bobby Farrell, pues aunque no colabora con la voz, si lo hace con su particular baile y puesta en escena. Siempre será una delicia observar los videos en los que aquel hombre aparecía. Roberto “Bobby” Alfonso Farrell murió el 30 de diciembre de 2010 a causa de un falla cardiaca, un día después de haber realizado una presentación en San Petersburgo, Rusia. Quiero imaginar, que de algún modo, y encuéntrese  donde se encuentre, aún esta realizando aquellas volteretas y movimientos, deleitando publlicos.